Tras un primer capítulo en el que plantea los problemas fundamentalesdel arte contemporáneo teniendo en cuenta las reflexiones de Benjamin, Adorno y Greenberg, así como los cambios habidos en la industria dela cultura y la comunicación, en la tecnología y el mercado, DiGiacomo traza las líneas fundamentales del arte contemporáneo a partir del desarrollo de la vanguardia, el cubismo, las obras de Braque yPicasso, la ruptura radical que supone el trabajo de Duchamp, elsurrealismo y el dadaísmo, y la posterior evolución del arteabstracto, Malevich y Kandinsky.
Los cambios políticos, culturales y sociales, morales también, habidos tras la Segunda Guerra Mundial determinaron trayectoriassignificativamente diferentes a las mantenidas hasta entonces. DiGiacomo estudia a Giacometti y a Bacon, pero también las creacionesdel Minimalismo y del Arte Conceptual, no menos que las de una «nuevafiguración» que tiene su mejor expresión en el «realismo» de Koons:paradójicamente, la realidad se aplica a imitar al arte. El arte noestá, sin embargo, exento de rebeldía y testimonio: Beuys, Boltanski y Kiefer son los mejores ejemplos a este respecto.
En los últimos años los dos modelos primarios usados para articulardiferentes aspectos del arte de la postguerra han acabado perdiendoeficacia: tanto el modelo del modernismo, basado en la especificidaddel medium, como el modelo de la neovanguardia, que reelabora lascríticas a la vieja intuición burguesa del arte, como hacía la primera vanguardia histórica. La verdad es que hoy compiten entre sídiferentes modelos locales, pero ninguno de ellos puede esperar llegar a convertirse en paradigmático. Y si, para muchos, este estado decosas es positivo, porque posibilita libertad artística y diversidadcrítica, también es cierto que ese paradigma del no paradigma hafavorecido una chata indiferencia y una cultura turística y consumista del arte.
